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REVISTA ARS. ENTREVISTA. ArtSevilla 2016.

Las instalaciones de David Escalona (Málaga, 1981) advierten una mirada poética desde un punto de vista descarnado. Su Licenciatura en Bellas Artes (2010), aunados a sus estudios de Licenciatura de Medicina, hacen interesarse en un arte humano donde la metáfora refleja la debilidad del ser y la facilidad de la herida.

1.Su obra es compleja y extremadamente variada, ¿cómo considera la evolución del concepto primario hasta día de hoy?

No la considero una evolución lineal sino cíclica. O, mejor dicho, forma parte de una compleja trama. Con el tiempo uno suele ir definiendo con más precisión las obras, los temas que le interesan. Uno, en su estar siendo, intenta hacer algo, reflejar algo que difícilmente llegamos a entender – si es que la cuestión es entenderlo-. Creo que una obra de arte es un paradójico artefacto del que poco nos podemos fiar. Lo interesante en ella es que abra escotillas, tambalée nuestras certezas y nos obligue a pensar. La obra refleja en parte mis miedos y deseos, mis conflictos. ¿Hasta qué punto? ¿Qué hay de mí en ella? ¿Qué permanece?

2.¿Sería lícito entonces hablar de una “esencia” en la obra?

No creo en esencias, tampoco sé cómo se puede medir o cuantificar una esencia. Ya lo dijo Platón, el artista es un mentiroso, crea simulacros…. No trata con esencias ni con conceptos propiamente dichos. Cada uno debe hablar de lo que le toca, de su realidad más próxima. Es imposible desligarse de la experiencia. Todo lo que hagas de forma intencional o no tendrá un componente autobiográfico.

3.Destacando Polvo de avispa llama la atención el cómo incluye a personas discapacitadas como espectadores activos de su obra.

Es importante que se adapten las exposiciones también a aquellas personas que, por sus peculiaridades o diferencias, olvidamos. Estas personas con “diversidad” funcional constituyen un público muy interesante, pues ellos tienen una forma de relacionarse con el mundo muy diferente a la acostumbrada y, por tanto, pueden aportar nuevas lecturas.

4.Referencia mucho en sus obras a la poetisa Chantal Maillard, ¿cómo diría que surgió esta influencia?

No creo que hubiera un antes y un después. El diálogo “poético-plástico” ininterrumpido que se establece entre ambos es un intento de comunicar realidades complejas difícilmente inteligibles. Por ello el arte o la poesía. La obra de Chantal Maillard es un referente para mí. Me ha dado muchass claves sobre la metáfora, que es lo realmente me importa de una obra, sea un poema, una escultura o un dibujo.

5.¿Dónde mueren los pájaros? Parece traslucir el sufrimiento de tantas guerras del ser humano, ¿cómo hemos de entenderla?

No trata de la IGM, trata de la herida que todos compartimos, del pathos transpersonal y transhistórico. Habla de los silenciados, del que muere como un pájaro en x lugar y nadie ve. Habla de los inocentes. El dialogo “acontece”, no depende mucho de la voluntad. Lo interesante es que rompamos compartimentos estancos o categorías en el mundo de la creación. También Chantal publicó un poemario en Tusquets con dibujos míos – “La herida en la lengua”- en el que, una de sus partes -“Sidermitas”-, surgió de ese diálogo. Muy contento con la acogida, va por la 4º edición.

6.¿Dicho diálogo ha llegado a cambiarle o a afectarle?

Una experiencia traumática y dolorosa suele transformar a uno para bien o para mal. Pero lo que me interesa de una experiencia dolorosa o accidente es poder llegar a verlo como acontecimiento, como experiencia límite que puede cambiar tus expectativas y abrirte a nuevas posibilidades en la creación. Hacer un acontecimiento es, por decirlo de alguna forma, hacer de un suceso, por muy ruidoso que sea, la cosa más delicada del mundo. Nada tiene que ver con crear un drama o con el resentimiento. No se trata de rascarse la herida y añadir más dolor al dolor. Sino todo lo contrario. Gilles Deleuze da las claves en su peculiar y hermosa relectura de la filosofía estoica.

Entrevista a David Escalona.
Equipo de ArtSevilla 2016

http://www.artsevilla.es/es/revistas

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